Only 10% of Fashion Houses Led by Women
The recent reshuffling of creative leadership at major fashion houses has brought attention to the underrepresentation of women in top roles.
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Une pièce en 5 actes
Acte I: Devine qui vient dîner ce soir?
Depuis que j’ai découvert Stable Diffusion A1111 il y a trois ans, j’ai caressé l’idée d’installer une IA générative « à la maison ».
Ce serait un outil de création ultime, libre. Mais à l’époque, c’était impensable : trop technique, trop obscur.
Entre-temps, la Princesse LIA s’est installée à la maison.
Le vêtement peut être un outil de conquête, de négociation et de rupture. À travers quelques exemples il révèle une véritable grammaire de résistance.
J’ai découvert il y a quelques jours le concept de « mimétisme critique » de Homi K. Bhabha (The Location of Culture, 1994) où le vêtement, porté par des sujets colonisés, devient un lieu de résistance critique.
Le vêtement-signe représente la révolte consciente du colonisé contre le capital triomphant.
Cette lecture m’a immédiatement évoqué les théories de Thorstein Veblen, où dans un phénomène d’imitation descendante, les classes inférieures cherchent, avec le vêtement, à reproduire les signes extérieurs de richesse pour accéder symboliquement à un rang supérieur (The Theory of the Leisure Class, 1899).
Manuel Charpy (in. Modes espaces critiques, 1980-2000, ed. De La Sorbonne) illustre le concept de mimétisme critique en prenant l’exemple du phénomène de la sape congolaise (société des ambianceurs et des personnes élégantes), qui dans leur réappropriation surenchérie du vêtement colonial exposent les contradictions du pouvoir, en imitant, sans jamais totalement adhérer.
Il se crée un espace de tension et de résistance.
En prolongeant cette réflexion, je me suis interrogé sur la place du vêtement punk. Aux marges du mimétisme ? Ou dans un tout autre registre, plus frontal ?
Le look punk ne relève pas d’un mimétisme critique, mais plutôt d’un sabotage esthétique.
Contrairement aux logiques décrites par Bhabha dans le mimétisme critique, le punk ne cherche ni à imiter les dominants, ni à s’infiltrer dans leurs codes vestimentaires pour les détourner.
Le punk s’approprie des éléments du vestiaire bourgeois ou militaire (vestes de costume, kilts, uniformes, blazers d’écolier anglais…) pour les profaner, les décontextualiser, les « re-signifier », voire les détruire.
Il ne copie pas le costume bourgeois pour le tordre, comme pourrait le faire un sapeur. Il rejette frontalement le bon goût, dérange les normes et le vestiaire légitime.
Le vêtement est un terrain d’insubordination active; qu’il brouille les classes sociales, conteste le pouvoir politique ou sabote le langage vestimentaire dominant, le vêtement n’est jamais neutre
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Some fashion kids from Atelier Chardon Savard fashion school invited me at their show.
I thought the camera on my iPhone 11 Pro was better—sorry for the crappy photos
A l’heure de la mode des pantalons XLarge, un clin d’œil sur la dégaine de Jean Ross.
Chanteuse de cabaret, actrice qui a défilé pour Jean Patou, journaliste puis critique de cinéma elle a inspiré Christopher Isherwood lorsqu’il a crée le personnage de Sally Bowles pour son roman Goodbye to Berlin, 1939 adapté plus tard dans la comédie musicale Cabaret. Sally Bowles ayant à son tour inspiré Truman Capote pour son personnage Holly Golightly dans Breakfast at Tiffany’s.
Ce week-end se tient Révélations, la Biennale internationale des métiers d’art et de la création au Grand Palais.
Le vernissage de vendredi fut l’occasion de retrouvailles : mes amies de longue date du WBDM – Wallonie Bruxelles Design Mode (oui je suis très belge), l’artiste plasticienne Patricia Canino, et l’historienne de la mode Lydia Kamitsis.
Sur leur stand, j’ai découvert le travail fascinant de Daniel Henry, ennoblisseur. Grâce au mécénat de la ville de Bruxelles, il signe Velum Magneticus, une œuvre destinée à la salle des mariages de l’Hôtel de Ville gothique. Composée d’une tenture à plis et d’une broderie par application (patchwork) sa création s’adosse à une structure datant elle de 1897. Il m’apprendra, à demi-mot, collaborer depuis plusieurs saisons avec Maison Martin Margiela sur un procédé d’application d’or sur tissu puis craquelé à la main.
En déambulant, la matière foisonne – marbre de Carrare, résine, textile, laiton, béton, ferraille, porcelaine et montre la richesse de la création humaine.
Autre éblouissement : coup de cœur pour les cubes paysagistes de l’artiste coréenne Jeon Ahyun, les textiles organiques de la créatrice textile géorgienne Ekaterine Geguchadze, aux accents de Sheila Hicks et la sélection rigoureuse de Caroline Andreoni dont chaque pièce donne envie d’acquérir une villa à Isla del Rey et d’en confier l’entièreté à ses designers, du seuil au plafond.
Une dissonance latente: entre les ors du lieu et la précarité de certains créateurs dont le talent peine à trouver preneur. La nécessité de ces manifestations s’impose alors : pour provoquer la rencontre, faire résonner les voix du secteur et donner corps à leurs gestes.
Il reste quelques heures pour s’y laisser submerger – et en ressortir un peu plus émerveillé.
Petit parcours transversal à DSM Paris où texte et textile s’hybrident sur les portants pour notre bon plaisir.
Des vêtements à lire, à déchiffrer et à porter.
Sur les vêtements et les accessoires il n’y a pas de frontière entre les évocations allant de Jenny Holzer en passant par les codes du fanzine punk et le grunge design de David Carson voire aux concepts de Sol LeWitt
Chez Simone Rocha la typographie devient chair, l’organique s’invite dans l’écriture. Moschino sature le tissu de caractères, dans un chaos contrôlé, tandis que JW Anderson cite un manuel et le texte devient ornement (mais que…), comme chez Sol LeWitt. Graffitis et typos néons taggent des shorts pour sorties urbaines.
Le texte sur vêtement est une pratique ancienne, le tee-shirt à toujours été une page imprimée de slogans et de manifestes autant pour accompagner la contre-culture qu’une opération marketing.
Une expression de soi cultivée?
Ce qui captive ce ne sont pas tant les vêtements eux-mêmes que les signes qui les recouvrent.
Le texte déploie une narration. Il impose de la précision et verrouille le sens, quel qu’il soit, quel que soit sa mise en forme, quel que soit son support.
Le vêtement-écrit devient le signifiant du dépassement de la fonction utilitaire du vêtement vers la représentation d’une expression de soi, cultivée.
La tendance Booktok ou les salons de littéraires de Miu Miu semblent aller dans ce sens.
On porte un vêtement non plus pour se protéger, ni pour s’affirmer mais parce qu’il participe à la construction de notre écosystème personnel, il doit donc être chargé de signification.
Tracing the visual codes of excess from postmodern pop to hypermodern spectacle
I found myself lingering over the inner sleeve of Welcome to the Pleasuredome by Frankie Goes to Hollywood (1984), struck by how oddly current the image feels: saturated colors, a dream-like lushness, a fantastical fauna nestled within a baroque wilderness.
The band members pose like figures from a fevered tableau, caught somewhere between theater and ritual, where pleasure becomes its own myth.
Then I stopped by the poster for Björk’s Cornucopia tour — this Sunday, May 11 at the Grand Rex — and i personally found an uncannily similar aesthetic. Don’t you think so?
Forty years apart, yet both visuals seem to breathe a similar image narrative, creating a sensory-rich world we now call hypermodern: vibrant colors, intricate details, and surreal compositions that visually represent a reality where nature and technology intertwine — harmoniously, yet unmistakably dreamlike.
Rather than hybridization, I would speak of an aesthetic mutation that alternately blends nature, the human, and now technology.
When my students invite me to their events — a performance, a runway show, an impromptu screening.
What I encounter there isn’t only the work of young bloods — it’s a different relationship to the world, beginning to articulate itself. A way of dressing, performing, showing — not imitative, but one that twists references, makes them its own.
I consider it a rare privilege: to witness the worlds they are shaping, to get a glimpse of a generational sensibility (Gen Z), in short, to come into contact with what’s to come.
And when the lead singer has a My Bloody Valentine sticker on his guitar, you can’t help but nod — in silence or in some kind of internal feedback loop.
Nothing is fixed. Everything signals.
Chopova Lowena, noir kei ninomiya, Vaquera, Junya Watanabe, Melitta Baumeister, Simone Rocha, Moschino
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